Санкт-Петербург. Нам подарили свет и воздух

«Свет и воздух» в названии отзыва, должны быть в кавычках, так как это название выставки в одном петербургском музее. Но лично мне там точно показали самые настоящие свет, воздух, яркие краски, доброту, красоту и много ещё чего. Поэтому, никаких кавычек в заголовок включать не стала.

Про Музей искусства Санкт-Петербурга XX–XXI веков (далее МИСП) на Туристере я уже рассказывала: в оглавлении цикла в начале и конце этого отзыва есть два материала про «музей у Львиного моста». МИСП является филиалом Центрального выставочного зала Манеж, поэтому я объединила отзывы про их выставки в один цикл.

Этой зимой появился повод напомнить, что МИСП всячески достоин того, чтобы следить за проходящими там выставками.

19 декабря 2023 года на одном небольшом кусочке набережной канала Грибоедова голубого неба и белоснежных облаков стало больше. И это означало, что МИСП приглашает всех на выставку с полным названием «Свет и воздух. Традиции импрессионизма в советской живописи».

Про расположение музея я писала в предыдущих материалах, поэтому здесь только небольшое слайдшоу с некоторыми комментариями в описаниях фото:

Но один момент я решила, всё же, уточнить с картинками.

Это — Банковский мост через канал Грибоедова, недалеко от Невского проспекта:

А на следующей фотографии -  Львиный мост, тоже через канал Грибоедова, но далековато от Невского, в 5 минутах ходьбы от Мариинского театра. И именно рядом с ним находится музей, куда мы сейчас заглянем на выставку:

На входе гостей встречает неклассическая по сюжету скульптура из классического материала, мрамора, что по мнению авторов проекта, видимо, должно было дополнительно намекать, что, несмотря на слово «советский» в названии выставки, речь пойдёт не о неоклассике, или о ней, но дополненной тем, на что в названии намекает слово «импрессионизм»:

Афиша в коридоре перед залом на 1 этаже ещё лаконичнее, чем мы видели на фотографии набережной:

Войдя в зал, на стене слева посетители могли получить такой вот посыл для осмысления увиденных картин:

Но я, как, полагаю, и многие, эту цитату заметила только уже при выходе из зала, так как внимание сразу привлекли информационные стенды у окна напротив (окно — из тех, которые с облаками). Для удобства чтения в слайдшоу включила увеличенные части вводного текста:

Обычно на выставках в МИСПе представлены работы из собственной коллекции с небольшими дополнениями из других петербургских музеев или частных собраний. В этот раз список участников проекта выглядел так:

Внушительный перечень вызывает в памяти такие проекты в самом ЦВЗ «Манеж», как «Покой и радость» и «(Не)подвижность. Русская классическая скульптура от Шубина до Матвеева» (ссылки на мои отзывы есть в цикле материалов в начале или конце этого рассказа), или недавняя, просто энциклопедическая выставка скульптуры 20-го века «Сопряжение форм». Но в этот раз, как и написано в текстах к выставке, всё более лирично и в частном аспекте, чему лучше соответствует выставочное пространство филиала.

На входе выдавали небольшую брошюру. Пара текстов из неё:

Итак, смотрим раздел «Портреты».

Уже во входной зоне первого этажа о том, что они увидят далее, посетителям рассказывала картина Юрия Пименова «Женщина в гамаке» (1934; Русский музей). Но её в моём отзыве не будет, так как на несколько работ на выставке был наложен запрет на фотографирование, о чём сообщали соответствующие знаки и очень вежливые сотрудницы. В интернете, в том числе, на ресурсах самого Русского музея, картина есть, но всё, что мне попалось не передаёт те краски солнечного лета, которые мы увидели на выставке, благодаря довольно удачному освещению.

Мой телефон, увы, тоже не совсем справился с отображением света, воздуха и красок, которые я увидела на выставке, но очень захотелось поделиться самим фактом такого необычного подхода к живописи советского периода.

Вступление подзатянулось, теперь «быстренько пробежим» по экспозиции:). Чтобы сократить текст далее, сразу обозначу, что, кроме одной, все работы — это холст, масло.

После входной зоны зал был как бы разделён на три части:

Стены в переходах между частями зала тоже не пустовали.

После входной зоны справа«Женщина с мимозой» (1940-е; Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО») Самуила Адливанкина (1897–1966) в прекрасном «колорите на сближенных тонах» (формулировка из аудиогида) словно предупреждала, что дальше тут нас ждёт много лирических, конечно же, женских портретов, которым и был отведён 1 этаж:

А слева ей вторил «Портрет девушки» (1961; Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств) кисти Виктора Пруса (род. 1941):

Солнечная шляпа вживую была совершенно невероятна! Я же правильно поняла, что это сделали просто мазки белил?

Сами картины можно было смотреть в любом порядке. В стоимость билета входил аудиогид: наушники с коробочкой, которую надо было прикладывать к коробочкам, закреплённым на стене у некоторых картин. Номеров, которые намекали бы на какой-то рекомендуемый порядок просмотра, не было.

В первой после входной зоны части я пошла налево.

Василий Новожилов (1887–1959) «Девушка за книгой» (1927; Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера»). Синий цвет платья и его отблески являются не менее важными героями картины, чем читающая девушка. Аудиогид находит в картине не только импрессионизм, а и сезаннизм с его «конструктивностью цвета»:

Картина «В саду» (1936; Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера») Льва Зевина (1903–1942) отсылает нас к «садовым» сюжетам французских импрессионистов. На картине явно 1930-е годы в СССР, но, как и на известных полотнах, «случайно» выхваченный сюжет, героям которого нет никакого дела до обратившего на них внимание художника:

Платье девушки вживую было совершенно невероятного и светоносного оттенка кораллового (?).

Про «Девочку в жёлтой блузке» (1934; МИСП ХХ-ХХI веков) Лидии Тимошенко (1903–1976) на этой выставке аудиогид ничего не рассказал. Но она хороша и без слов, однозначно обращала на себя внимание посетителей, а совсем недавно была на обложке одной выставки в МИСПе:

Евсей Моисеенко (1916–1988) — один из самых именитых авторов на выставке. К «Портрету жены под деревом» (1956; Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств) очень подходит известное описание его живописи: яркие и чистые цвета + свободный мазок + острая графичность:

А аудиогид рассказал историю семьи. Евсей Моисеенко и Валентина Рыбалко (скульптор) встретились ещё до войны. 5 июля 1941 года Евсей, тогда студент-дипломник, ушёл добровольцем в народное ополчение. На подступах к Ленинграду в 1941 году вместе со своей частью попал в окружение и фашистский плен. До апреля 1945 года находился в концентрационном лагере в Альтенграбове. После освобождения вернулся в армию. 4 года Валентина ничего не знала о судьбе Евсея. Вернулся в конце 1945, и они поженились. Всего Евсей Моисеенко написал более 20 портретов жены.

А справа в этой части зала было лето-лето-лето.

Пётр Котов (1889–1953) «В доме отдыха. Алупка» (1937; Ярославский художественный музей):

Далее — опять читающая молодая женщина. Лев Руднев (1885–1956) «Женский портрет. Этюд» (1950-е; Государственный научно-исследовательский музей архитектуры им. А. В. Щусева). Аудиогид и экскурсоводы на выставке уточняют, что сюжет был весьма популярен и у зарубежных импрессионистов. «Самая читающая страна в мире» оставить без внимание подобную тему не могла:

Летнее солнце слегка размывает «Семейный портрет» (1930-е; Государственный музей Палехского искусства) кисти Андрея Корина (1884–1948). Прекрасны и супруга, и дети, но не уступает им и самовар. Выхваченный из жизни эпизод, блики, отражения не оставляют сомнений в соответствии картины теме выставки:

Опять лето, солнце, сад, девушки и книга: Лев Зевин (1903–1942) «В саду за чтением» (1940; Костромской государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник). Мне же очень понравилось, как крупные мазки тут точно отражают материалы тарелки, стакана и книги:

Лаконичные афиши перед зданием и внутри его я уже показала. А вот по городу за рекламу проекта отвечала «Лена в саду» (1986; МИСП ХХ-ХХI веков) Евгении Антиповой (1917–2009). И, судя по количеству посетителей, отлично с этим справилась. Обратите внимание, что картина по времени написания существенно отличается от показанных ранее:

В аудиогиде про живопись Евгении Антиповой было так: «не отказ от предметности, а живая интерпретация образа».

В проходе в следующую часть зала авторы выставки предлагают подумать об отношении в Советском Союзе к формализму в живописи:

Но тут я честно признаюсь, что при посещении выставки между умным и красивым я выбрала второе. В отзыве будет так же. Цитаты со стены привожу, чтобы показать, что авторы проекта предлагали варианты для разной степени погружения в историю советской живописи по заявленной теме.

В следующей части для разнообразия сначала пойдём направо.

Александра Токарева (1926–2015) «Деревенский мотив» (1962; Музейно-выставочный центр «Петербургский художник»). Есть на картине, в соответствии с темой выставки, и раздельные мазки, и правильное соседство цветов. Но для меня это была картинка из деревни 1970-х, куда меня пусть из небольшого, но всё же города, отправляли летом к бабушкам и дедушке. Воспоминания так же незатейливы, как сюжет картины, но бабушки, свет, воздух, яркие краски лета в них точно есть. Котята тоже были:) :

Михаил Демидов (1885–1929) «Мать и дитя» (1924–1925; Вятский художественный музей им. В.М. и А. В. Васнецовых). Автор был обвинён в формализме. В картине сначала сюжет кажется известным и спокойным. Но, как верно отметили авторы аудиогида, при более внимательном рассматривании неожиданный ракурс, этюдность работы, блики придают картине явную беспокойность:

Далее был, пожалуй, самый солнечный уголок первого этажа:

Автор правой картины заставил меня вспомнить одну выставку прошлого года в другом музее. Весной 2023 г. в Музее-квартире А. И. Куинджи (филиал Научно-исследовательского музя при Российской академии художеств) с большим успехом прошла выставка «Мастера русского импрессионизма». Как я писала тут, слово «импрессионизм» магнетически влияет на желание людей посетить музей:), но от очередей в этом случае спасло то, что билеты в этот музей-квартиру продавались (и продаются сейчас) только по интернету, где приобретать их приходилось заранее, особенно на выходные дни.

Про русский ипрессионизм на информационном стенде было написано так: «В нашей стране импрессионизм не стал художественной философией, как не появилось и сплоченной группы единомышленников. Однако выдающиеся пейзажисты отечественной школы рубежа XIX–XX веков, такие как К. А. Коровин, В. А. Серов, С. Ю. Жуковский, С. А. Виноградов, А. И. Савинов, сближаются с «художниками впечатления» во многих отношениях. Это и особенная свежесть восприятия натуры, интерес к цвету и свету, «эскизная» манера письма с широким энергичным мазком, а также приподнятое, мажорное настроение работ. В то же время их искусство отличает бо́льшая материальность и осязательность предметов, которые не растворяются в световоздушной среде. Пространство в их картинах более упорядочено." (Мастера русского импрессионизма — Музей Академии Художеств (artsacademymuseum.org)

Выставка по количеству картин была небольшой, но каждая картина очень точно соответствовала выбранной теме: это, вне всякого сомнения, был импрессионизм с заявленными особенностями, а автор точно был Мастером с самой большой буквы.

И при таком тщательном отборе в экспозиции не смогли обойтись без картины Сергея Арсеньевича Виноградова (1869–1938). «Весной (Женщина с корзиной)» (1915; Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств):

А в МИСПе за тему импрессионизма, света и воздуха отвечала написанная художником уже в 1930-м «Барышня в сарафане» (1930; Плесский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник):

Единственно, в 1924 году С. А. Виноградов переехал в Ригу, где и проживал до конца жизни. Был ли его импрессионизм в этот период советским? Но это и не важно. Главное, что такую замечательную картину нам привезли, и она точно соответствует заявленной теме света и воздуха. В остальные подробности можно и не вдаваться:), тем более, что у меня — про красоту.

Работы следующего автора (не живопись) регулярно видят туристеровцы-москвичи. И точно выдели все, кто хоть раз побывал в советской и российской столице. Это — Дмитрий Чечулин (1901–1981). В Москве я была давно, собственные фото искать в архивах долго, поэтому подсказка: в названии музея важно обратить внимание на слово, начинающееся с буква «а».

На выставке же была картина — «На террасе» (1956; Государственный научно-исследовательский музей архитектуры им. А. В. Щусева):

По выбору обложки и шапки этого отзыва, полагаю, ясно, что картина мне очень-очень понравилась.

А напротив в этой части зала раскрывалась естественная для наполнения её светом и воздухом вне зависимости от изображённого времени года тема «Мать и дитя» или просто «Дети»:

За лето отвечала дипломная работа Марии Рудницкой (1916–1983) «Материнство» (1949; Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств). Свет и воздух через распанутое окно на заднем плане врывались не только в картину, но и прямо в зал выставки:

Сергей Тутунов (1925–1998) «Детство» (1962; холст на картоне, темпера; Вятский художественный музей им. В.М. и А. В. Васнецовых). Только в детстве восторг от первого настоящего снега и приближения с ним всяких зимних забав и чудес таков, что виден и со спины. Нужно просто заметить этот момент и успеть запечатлеть его, как и учили имперссионисты:

Николай Терпсихоров (1890–1960) «Окно в мир» (1928; Нижегородский государственный художественный музей). Картина чудесна и многозначна. Рассматривая правый нижний угол, одни искусствоведы обращают внимание на сюжет, как мама переживает и всеми силами и подручными средствами пытается отвлечь мальчика от небезопасного окна, но замечают при этом игру бликов, как минимум, красного цвета. Другие рассуждают на чисто живописные темы и выдвигают версию, что правый угол художник заполнял предметами синего цвета, чтобы это соответствовала цвету юбки слева:

Комментируя это полотно, не забывают и название — «Окно в мир», где слово «окно» трактуется весьма многозначно. Есть и сложные, но интересные варианты. Сыну художника, Петру, во время написания картины было около 5 лет. Позировал явно не он. Сцена же на картине очень семейная. Пётр Терпсихоров вырос, и долгие годы смотрел на мир через «окно» кинокамеры, так как выбрал профессию кинооператора и снял, например, такие фильмы, как «Майор «Вихрь» и «Адьютант его превосходительства».

В переходе в заключительную часть зала 1 этажа справа — работа Исаака Бродского (1884–1939) «Портрет М. Гош» (не позднее 1916; Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств). Экскурсоводы для сопоставления доставали тут из папки распечатку известного портрета кисти Ренуара. И это было, конечно, не про копирование, а про мастерство во владении техникой живописи:

Кураторам выставки сложно было не включить в экспозицию такую подходящую к теме импрессионизма картину выдающегося мастера. По году написания есть вопросы тут к слову «советский». Но однозначно нельзя отрицать влияния учителя на своих учеников, видевших и дореволюционные работы Бродского (ученики есть и среди авторов выставки).

А слева — удивительно спокойный по образу и цветам «Женский портрет» (1938; Череповецкое музейное объединение) кисти Михаила Аветова (1895–1972):

Эти две работы словно обещали посетителям, что и в последней части зала 1-го этажа с женскими портретами точно будет всё хорошо. Иду налево, и в тупиковом зале смотрю картины по часовой стрелке.

Алексей Исупов (1889–1957) «Портрет жены с корзинкой цветов» (конец 1920-х; Вятский художественный музей им. В.М. и А. В. Васнецовых):

Аудиогид цитирует мнение итальянских художников о живописи Исупова: «знает всю радость и мощь цвета».

Конечно, не все картины, представленные в разделе «Портреты» вошли в мой отзыв.

Но обязательно тут был бы «Портрет студентки консерватории» Владимира Лебедева (1936; Русский музей), если бы не… запрет на фотографирование этой работы.

Но и рассказ о «традициях импрессионизма в советской живописи», по моему глубокому убеждению, без картины этого художника полным быть не может. И тут мне на помощь:) придёт любимая петербургская галерея KGallery, где совсем недавно проходила выставка с нужными портретами.

Прежде всего, кратко напомню, что работы художника В. Лебедева должны быть знакомы многим туристеровцам, как и другим жителям нашей страны самых разных возрастов:

И портреты с выставки в KG, любой из которых мог бы украсить выставку «Свет и воздух» (названия и год указаны в описаниях фото):

Возвращаемся на выставку в МИСП.

Борис Иогансон (1893–1973) «Женский портрет» (1951–1952; Государственный Владимиро-Суздальский музей-заповедник):

Уже в начале осмотра 1-го этажа в центре дальней части зала обращала на себя внимание работа Петра Вильямса (1902–1947) «Портрет женщины в раскрытом окне» (первая половина 1930-х; Государственный Русский музей). У нас, например, и экскурсия по выставке началась с этого портрета. А я бы провела опрос, кто у этого полотна вспоминает Кустодиева, а кто — Ренуара (увы, картина бликовала, поэтому фото только сбоку; в интернете на ресурсах Русского музея она представлена):

Роберт Фальк (1886–1958) «Обнажённая модель» (1930-е; Вологодская областная картинная галерея). Я даже не буду писать фамилию французского художника, которую у этой картина вспоминал каждый первый экскурсовод или посетитель:

В похожих тонах, но совсем другой «Портрет женщины в чепце» (первая половина ХХ в.; Калужский музей изобразительных искусств) кисти Виктора Остроумова (1904–1955):

Виктор Мей (1888–1975) «Портрет жены в интерьере» (1922; Сергиево-Посадский государственный историко-художественный музей-заповедник):

А завершала показ последней части зала первого этажа опять картина Алексея Исупова. Цитата про краски его живописи уже была. Поэтому просто «Женский портрет. В саду» (1940; Вятский художественный музей им. В.М. и А. В. Васнецовых), который, увы, бликовал при попытке снять прямо, но и под углом видно, что это одна из самых впечатляющих работ из представленных на выставке:

Рассказ про 1-й этаж выставки, отвечавший за тему «Портреты», на этом логично завершить.

Что касается выставки, заявленная тема света, воздуха и импрессионизма в советской живописи далее раскрывалась ещё на 3-х этажах.

Описание в брошюре выглядело так:

Для общей картины далее несколько слайдшоу.

2-й этаж. «Пейзажи»:

3-й этаж. «Труд»:

«Чердачок» 3-го этажа, а по факту — полноценный 4-й. «Отдых»:

Всем спасибо за внимание!

Приношу извинения, если кому-то мои попытки по-дилетантски поумничать и личные воспоминания мешали наслаждаться светом, воздухом, красками и прочими достоинствами картин этой замечательной выставки. Возможно, просто альбом с указанием авторов и названий произведений был бы уместней, но захотелось показать и укрупнённые детали картин, что сделало невозможным вписаться в установленную правилами «квоту на фото», а набор портретов на первом этаже настольно целостен, что делить его на части явно неуместно. Получилось то, что получилось.

Дополнение:

1. В рамках доп. программы к выставке была лекция ведущего научного сотрудника Русского музея, искусствоведа, историка искусства, художника и литератора Антона Успенского «Импрессионизм в советской живописи: новация, традиция, инерция» в рамках выставки «Свет и воздух». Автор её выложил в интернете: Советский импрессионизм или соцреализм с эмоциональным лицом? . Немного под другим названием лекция есть и на Youtube: Искусствовед Успенский - YouTube .
В его блоге Искусствовед Успенский | Дзен (dzen.ru) вообще много материалов по выставкам, проходившим в СПб, и не только.

2. Сегодня, 8 апреля, к отыву добавился комментарий пользователя lIIl про качественный познавательный проект ТВ-канала "Санкт-Петербург" "Неповторимое обаяние малых музеев". Фильм легко найти на сайте канала. Среди музеев, показанных там, есть и МИСП. Полный список музеев смотрите в комментарии. Я не везде была, некоторые давно в планах на посещение. Если кратко, они - "малые", но точно не маленькие. При планировании посещения я бы рекомендовала закладывать не меньше 1,5 часа.