Картинки с выставки. Альбертина: от Моне до Пикассо

Итак, 500-летнее путешествие по истории европейской живописи позднего средневековья и нового времени («От Рубенса до Макарта») мы уже совершили https://www.tourister.ru/world/europe/austria/city/wien/artgallery/2600/responses?id=5885

Впереди — его продолжение, более короткое по протяжённости во времени (всего-то век…), но не менее насыщенное путешествие по истории европейской живописи новейшего времени, от последней четверти XIX до середины XX века.

Два-три раза в год Венский музей Альбертина представляет тематические выставки. Центром выставочной жизни стала постоянная выставка европейского искусства «От Моне до Пикассо». Её экспозиция регулярно меняется и дополняется временными экспонатами, предоставляемыми другими галереями и владельцами частных коллекций. Анонс этой выставки рядом с входом в музей виден издалека. Вот и на этом фото, сделанном в январе 2018, его видно.

Под названием выставки (а также и на досках с названием музея внизу по обе стороны от входа) можно прочитать: Sammlung Batliner — Коллекция Батлинер.

В 2007 году адвокат из княжества Лихтенштейн Герберт Батлинер и его жена Рита передали Альбертине свою коллекцию из 500 картин и скульптур в качестве наследия (точнее, в доверительное пользование на 10 лет, а затем, если их или их правопреемников удовлетворят условия содержания и экспонирования коллекции, то навсегда).

Герберт и Рита Батлинер начали коллекционировать произведения искусства в 1950-х годах. Их интерес был сосредоточен на произведениях импрессионизма, постимпрессионизма и фовизма. Для расширения коллекции были приобретены произведения немецкого экспрессионизма, особенно группы художников Der Blaue Reiter (Синий всадник) и Die Brucke (Мост), а также образцы русского авангарда и произведения модерна от Миро до Пикассо. Включение этого выдающегося собрания в постоянную коллекцию Альбертины ознаменовало завершение реорганизации музея, начатой в 2000 году.

Свои «картинки» с этой выставки я рассортировал по направлениям, в стилистике которых они написаны, а сами направления (течения) расположил в хронологическом порядке, соответственно дате их возникновения. Характеристики каждого направления и справки о художниках составлены на основе интернет-публикаций. Пояснения к отдельным картинам — мой вольный сокращённый перевод официальных аннотаций к выставленным картинам, в некоторых случаях с собственными комментариями, но такой «отсебятины» немного.

Пабло Пикассо не умещается в рамки никакой классификации — настолько он необъятен и разнолик. Поэтому, в соответствии с названием выставки, его работы замыкают мою фотоэкспозицию.

Основу выставки «От Моне до Пикассо» образца 2019 года, как всегда, составляют произведения из коллекции Батлинер, но присутствуют и «гостевые» произведения, в том числе из коллекции Австрийского Национального банка, других корпоративных и частных коллекций. Принадлежность картин я указал под их названиями.

Импрессиони́зм (от французского impression «впечатление») — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX века. Импрессионисты разрабатывали методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Живописная манера, свойственная импрессионизму, зародилась во Франции в 1860-х годах («Завтрак на траве» Э. Мане и др.), но предтечей французских импрессионистов считается английский художник Уильям Тёрнер (1775–1851), мастер романтического пейзажа, акварелист.

Хронологически период активного существования импрессионизма как относительно монолитного течения в живописи можно соотнести с датами проведения совместных выставок художников-импрессионистов. Первая такая выставка состоялась в апреле—мае 1874, последняя восьмая в мае—июне 1886 (все в Париже).

Первая же выставка дала и название движению. По названию картины Моне «Впечатление. Восход солнца» критик Луи Леруа пренебрежительно назвал художников — участников выставки «впечатленцами» (франц. impressionnistes). Парадоксально, но именно этот термин, постепенно утратив начальный негативный смысл, стал официальным наименованием течения в живописи (а затем в литературе и в музыке), оказавшего сильнейшее влияние на развитие искусств последней трети XIX века.

По активности участия в выставках можно «вычислить» наиболее последовательных сторонников импрессионизма: Писсарро (8), Дега (7), Моне (5), Гоген (5), Ренуар (4), Сислей (4). В этом списке нет Эдуарда Мане, который справедливо считается одним из основоположников импрессионизма в живописи. Несмотря на личные дружеские отношения с Моне, Дега и другими молодыми художниками — импрессионистами, Мане учитывал стойкое их неприятие со стороны критики и публики, и своим неучастием в выставках импрессионистов дистанцировался от них в пользу официального (академического) признания своих работ.

Коллекция Импрессионистов в Альбертине не очень богата, и мне показалось, что не все они экспонировались на выставке «От Моне до Пикассо» образца 2019 года. Да и в мои фото-картинки попали не все выставленные экспонаты.

Клод Моне́ (1840–1926) — французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Создание картин ан пленэр («вживую») — спонтанное отображение мгновенного восприятия природы через её проявления в свете и цвете — стало основным методом Моне, которому он следовал на протяжении всей своей жизни. Между 1878 и 1882 Моне жил в Ветейя, деревне на Сене. В картине «Вид Ветейя» он вибрирующими мазками передал атмосферу жаркого летнего дня и воздуха, сверкающего в солнечном свете. Ощущение перспективы передано изменением интенсивности цветов: энергичные жёлтые и зелёные для переднего плана и тонкие пастельные тона для неба.

Поздние работы Моне были созданы в уединении его загородного имения в Гиверни. Он ограничился небольшим количеством мотивов: цветником и экзотическим прудом в японском стиле с водяными лилиями. Если в начале пути он писал живописные виды с прудом и мостом в центре композиции, то в последние годы жизни предпочитал детали и отражения берегов на поверхности воды. Стремление отразить изменчивость цветовой гаммы пруда с водяными лилиями в зависимости от времени суток и сезона года стало его навязчивой идеей. В наследии Моне существует много картин на эту тему. Характерными чертами этого художественного исследования стали отказ от симметрии, отсутствие линии горизонта, совпадение между объективностью и абстракцией, что уже выходит за рамки импрессионизма.

В моей фотоэкспозиции — две картины позднего Моне.

Неоимпрессионизм

В каталоге восьмой, последней, выставки импрессионистов появились имена двух молодых художников — Поля Синьяка и Жоржа Сёра. Последний представил экспозицию из девяти работ, центральное место в которой занимало монументальное полотно «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» (1884–1886). По своему размеру, технике исполнения и композиции оно существенно отличалось от произведений других участников вернисажа — импрессионистов.

В картине Сёра использовал новую технику пуантилизма, или дивизионизма. Суть её заключалась в том, что краска наносилась на холст раздельными точками чистого цвета в расчёте на то, что на некотором расстоянии они оптически смешаются в глазах зрителя и дадут нужный тон. Можно сказать, что техника пуантилизма стала отличительным признаком неоимпрессионизма.

Многие импрессионисты скептически относились к новому направлению. Лишь Писсарро встретил его с воодушевлением — стремительное превращение импрессионизма в мейнстрим вызывало у него сомнения в дальнейшей эффективности этого направления, и он примкнул к возглавленному Сёра и Синьяком движению. Неоимпрессионизм в то время ассоциировался с анархизмом, что также могло стать серьёзным аргументом для идейного анархиста Писсарро (не принимавшего, правда, никакого участия в политике), увидевшего в этом течении более «демократический» стиль живописи.

В моей фотоэкспозиции оказались три картины двух авторов, которые могут быть отнесены к неоимпрессионизму.

Поль Синьяк (1863–1935) — французский художник-неоимпрессионист. В марте 1908 года Поль Синьяк посетил венецианскую лагуну и запечатлел её в картине «Венеция. Розовое облако». Как и Клод Моне в своих картинах Венеции того же периода, Синьяк играл с холодными и тёплыми тонами цвета. В отличие от импрессионистов, которые, как правило, создавали картины полностью на пленэре («вживую»), Синьяк написал её спустя год в студии по эскизам, сделанным на месте.

Тео ван Рейссельберге (1862–1926) — бельгийский художник — неоимпрессионист, пуантилист.

Увидев программную картину Жоржа Сёра «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» на выставке в Брюсселе в 1887 году, бельгийский художник Тео ван Рейссельберге вскоре переехал в Париж, чтобы присоединиться к неоимпрессионистам. Как и Анри-Эдмонд Кросс, которому Рейссельберге посвятил свою «Сидящую обнажённую», художник изучал теорию спектральной дисперсии цвета и исследовал возможности её применения в картинах.

Большая часть работ одного из величайших художников-неоимпрессионистов хранится в частных коллекциях, и их можно увидеть достаточно редко.

Постимпрессиони́зм — условное собирательное обозначение неоднородной совокупности основных направлений в европейской (главным образом французской) живописи, начиная с 1880-х гг. до начала XX века.

Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как натуралисты) или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать её основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.

К выдающимся представителям постимпрессионизма в живописи относятся Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Поль Сезанн (известный как «отец постимпрессионизма»). Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, объединённые тем, что они отталкивались от импрессионизма. Они сильно повлияли на последующее развитие изобразительного искусства, став основой различных направлений в современной живописи. Крупные мастера своей проблематикой положили начало многим тенденциям изобразительного искусства XX века: работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к символизму и модерну.

Анри́ де Тулу́з-Лотре́к (фр. de Toulouse-Lautrec; 1864–1901) — французский художник-постимпрессионист из графского рода Тулуз-Лотреков, мастер графики и рекламного плаката.

Поль Гоге́н (1848–1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма.

В 1886 году Гоген посещает живописную деревню Понт-Авен на побережье Бретани. Он очарован странными, грубыми пейзажами района и простым образом жизни крестьян.

Анри Лебаск (1865–1937) — французский художник, художественный стиль которого в разные периоды его творчества относят к импрессионизму, неоимпрессионизму. постимпрессионизму, фовизму.

Моде́рн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве, распространённое в последнем десятилетии XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны).

В различных странах стиль имел разные названия: во Франции — «ар-нуво» (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»); в Англии — «современный стиль» (англ. modern style); в Германии — «югендштиль» (нем. Jugendstil — «молодой стиль»); в Австрии, Чехии и Польше — «сецессион» (нем. Secession — «отделение, обособление»).

Мастера модерна стремились сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека, реализовать идеи «преображения жизни средствами искусства». В этом они следовали традициям романтизма и символизма.

О Венском Сецессионе надо рассказать несколько подробнее, он того заслуживает.

Основан 3 апреля 1897 года Густавом Климтом, Коломаном Мозером и другими художниками, порвавшими с господствовавшим в то время в венском Доме художников академизмом. Примером для них стали Берлинский и Мюнхенский сецессионы. К венскому Сецессиону примкнул выдающийся австрийский архитектор Отто Вагнер (см. https://www.tourister.ru/responses/id_28839), оставивший Вене много замечательных построек в стиле модерн.

В 1898—1899 гг. ученики Отто Вагнера Йозеф Хоффман и Йозеф Мария Ольбрих выстраивают в центре Вены рядом с площадью Карлсплац новое здание — павильон для первой выставки Сецессиона, который венцы сокращённо так и называют «Сецессион». Эта смелая для своего времени постройка поразила венцев своим необычным видом. Здание украшено большим позолоченным куполом с изображением позолоченных лавровых листьев. Интерьеры и окна из цветного стекла были спроектированы Коломаном Мозером. Над главным входом нанесена надпись со словами художественного критика Людвига Хевеши: «Эпохе — своё искусство, искусству — своя свобода», которые можно воспринимать как девиз эпохи модерн в искусстве.

Павильон стал постоянным местом проведения выставок группы. Первая выставка Венского Сецессиона состоялась в 1898 году. Тогда же в целях более широкого распространения своих идей группа стала издавать свой журнал Ver Sacrum (с лат. — «весна священная»); это название также отражено на фасаде здания слева от входа.

Благодаря открытой для многих направлений выставочной политике Сецессиона, венской публике стали известны французские импрессионисты (обалдеть: импрессионисты, регулярные выставки которых проходили в Париже с 1874 года, стали известны венской публике лишь спустя четверть века!). Особую известность получила 14-я выставка Сецессиона 1902 г., которая была посвящена Людвигу ван Бетховену. В центре размещалась статуя Бетховена работы Макса Клингера, которую окружали картины, составляющие «Бетховенский фриз» Климта.

В 1945 году павильон Сецессион был сильно разрушен при бомбардировках Вены авиацией «союзников». Восстановлен в 1985 году в первоначальном его виде.

Несколько отклоняясь от «генеральной линии» моего очерка, даю фото павильона Сецессион, сделанное буквально на ходу 7 мая 2019.

Это зримое выражение венского модерна в архитектуре, в котором так удачно пересеклись пути художника Густава Климта и архитектора Отто Вагнера.

К сожалению, в моих «картинках с выставки» модерн в живописи представлен скромно.

Гу́став Климт (1862–1918) — широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское лицо и тело, ему даже присвоили неофициальный титул «Художник женщин».

Сопоставление аллегории Климта «Водяные нимфы (Серебряные рыбки)» и «Пруда с водяными лилиями» Моне выявляет две очень разные интерпретации «водной» темы, весьма популярной на рубеже веков. Импрессионистское восприятие Моне переменного воздействия света на пруд, который покрыт водяными лилиями, приводит к растворению формы и цвета. Климт придерживается символистской и эротично обозначаемой интерпретации подводного мира. Представленный в бесчисленных нюансах золотого, отфильтрованный солнечный свет смешивается с глубоким зеленым цветом воды, чтобы сформировать таинственный фон для двух демонических, похожих на головастиков нимф и проплывающих серебристых рыбок. И Моне, и Климт реагируют на мимолетность природных явлений, каждый по-своему.

Аугу́сто Джакоме́тти (ит. Augusto Giacometti, 1877–1947) — швейцарский художник, двоюродный брат художника-импрессиониста Джованни Джакометти. Живописным произведениям Аугусто Джакометти присуще соединение стилей модерна и символизма.

Фовизм (от франц. fauve, дикий) — авангардное направление во французском искусстве начала XX века.

Фовистами («дикими») называли группу художников, в которую входили А. Матисс, А. Марке, А. Дерен, М. Вламинк, за «кричащую» выразительность цвета в их картинах. Живопись фовистов отличает плоскостность форм, насыщенность чистых цветов, отказ от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Фовизм зародился в конце 1890-х — начале 1900-х годов в результате живописных экспериментов, которыми занимался со своими учениками (в числе которых был Анри Матисс) символист Г. Моро. Группа заявила о себе на Парижском салоне (1905), где художники выставили свои картины в отдельном зале, в центре которого стояла статуя работы ренессансного скульптора Донателло. Восклицание критика Луи Вокселя: «Донателло среди диких!» — дало название новому направлению в живописи.

Фовисты экспонировали свои работы также на выставках 1906 и 1907 гг., затем группа постепенно распалась, каждый из художников пошёл своим путём. Технические приёмы фовизма использовались также в экспрессионизме.

Анри́ Мати́сс (1869–1954) — французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Известен своими изысканиями в передаче эмоций через цвет и форму.

Фовисты в своей живописи радикально отошли от принципа подражания природе. Они отказались от деталировочных красок, моделирования светотеней и от построения иллюзии пространства. Вместо этого они пришли к беспрецедентной колористической насыщенности, к эстетической однородности цветовых пространств. Впервые в истории живописи акцент был полностью на цвет, который с этого времени стал считаться индивидуальным средством выражения.

Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии.

Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний. Драматические полотна Винсента ван Гога, Эдварда Мунка и Джеймса Энсора при всей индивидуальности манер этих художников пронизаны зашкаливающими эмоциями восторга, негодования, ужаса.

В 1905 году немецкий экспрессионизм оформился в группу «Мост», которая бунтовала против поверхностного правдоподобия импрессионистов, стремясь вернуть немецкому искусству утраченные духовное измерение и разнообразие смыслов. В программе «Моста» было много общего с французским фовизмом.

Когда в Веймарской республике после 1924 года установилась относительная стабильность, невнятность идеалов экспрессионистов, их усложнённый язык, индивидуализм художественных манер, неспособность к конструктивной социальной критике привели к закату этого течения. С приходом к власти Гитлера в 1933 году экспрессионизм был объявлен «дегенеративным искусством», а его представители потеряли возможность выставлять свои работы или публиковаться. Более того, иногда их работы публично уничтожались.

Э́двард Мунк (1863–1944) — норвежский живописец и график, один из первых представителей экспрессионизма, самым узнаваемым образом которого стала картина «Крик». Его творчество охвачено мотивами смерти, одиночества, но при этом и жаждой жизни.

Вернувшись в Норвегию в 1909 году после лечения в Копенгагене, Мунк посвятил себя теме зимних пейзажей в Крагеро. Расщеплённые пейзажные панорамы со строгими фьордами диаметрально противоположны его «пейзажам души», написанным на рубеже веков. Огромные снежные просторы богато дополнены тонкими оттенками, с помощью которых художник создаёт контраст со скалами и полосками луга.

Э́гон Ши́ле (нем. Egon Schiele; 1890–1918) — австрийский живописец и график, один из ярчайших представителей австрийского экспрессионизма.

Амеде́о Модилья́ни (1884–1920) — итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX — начала XX века, представитель экспрессионизма.

В интернет-галереях эта картина называется скромнее — «Женщина в белой рубашке» и т. п. Я привожу название, указанное на выставочной этикетке картины.

Роберт Клосс (1889–1950) рисует цветы, городские пейзажи и портреты в необычных видах и перспективах. При этом он следует кубистским принципам дизайна и, как показывает портрет Терцетты, использует экспрессивную цветовую палитру.

О́скар Коко́шка (1886–1980) — австрийский художник и писатель чешского происхождения, крупнейшая фигура австрийского экспрессионизма.

Оскар Кокошка входит в число наиболее важных сторонников экспрессионистского искусства в Австрии вместе с Эгоном Шиле, Ричардом Герстлем и Максом Оппенгеймером. Дистанцировавшись от модерна на раннем этапе, он разработал оригинальный экспрессионистский стиль. За время пребывания в Дрездене с 1919 по 1923 год он нарисовал девять панорамных пейзажей города. На представленной здесь картине 1923 года художник изобразил вид из окна его студии в академии: мост Августа и мост Марии к Лоссницским холмам.

В 1923 году Кокошка взял двухлетний отпуск в Дрезденской академии, где он преподавал с 1919 года, для поездки на юг Франции и Испании, чтобы рисовать там. Путешествуя через Женеву, Ниццу, Марсель, Авиньон и Монпелье, он прибыл на курорт Верне-ле-Бен во французских Пиренеях, где ему пришлось ждать пять дней для получения въездной визы в Испанию. Во время своего пребывания там он нарисовал этот вид из своего номера в Hotel du Portugal над пышным садом, с городским пейзажем Верне-ле-Бен и заснеженными вершинами Пиренеев на дальнем плане.

В 1925 году Кокошка посетил ряд знаменитых городов и регионов. Побывав во Франции, Испании и Португалии, весной 1926 года он почувствовал тягу к Лондону и пробыл там полгода. Частым мотивом его творчества стала Темза, «эта главная артерия, протекающая сквозь века», купающаяся в блестящих красках и радужном мерцании. Художник арендовал комнату на восьмом этаже отеля Savoy, откуда он мог наблюдать реку. Там он написал Малый Ландшафт Темзы, с видом от набережной Виктории через Хангерфордский и Вестминстерский мосты к зданиям парламента и шпилям Вестминстерского аббатства. В обширных живописных видах художника реальность растворяется, а цвета становятся прозрачными. Кокошку интересовала не топография, а динамизм города. Его увлечение такими «мировыми пейзажами», как Кокошка назвал свои городские панорамы, вероятно, восходит к пейзажным изображениям XVI века.

После долгих путешествий по Европе Кокошка вернулся в родную Вену в 1931 году. Будучи заклеймен национал-социалистами в 1933 году как «дегенеративный» художник, он эмигрировал в Прагу осенью 1934 года и оставался там до 1938 года. Представленная на выставке картина «В саду» датируется этими трудными годами. Начатая в Вене летом 1934 года, она была закончена в Праге осенью. Это картина-аллегория о подростковом возрасте и взрослении, о невозможной и возможной любви. Чувственная поза созерцательной девичьей фигуры, сидящей в кресле, и раковина, которую девушка прижимает к уху левой рукой, намекают на такие темы, как пробуждение сексуальности и начало новой эры в жизни.

Аванга́рд (от фр. avant-garde — передовой отряд).

Как историческое явление авангард появился в начале XX века, но термин авангард (как прежде романтизм или реализм) не был для группировок самоназванием, а начал употребляться, когда сами группировки уже распались, и то, что их связывало, завершалось или уже стало историей.

Считается, что авторство термина «авангард» принадлежит русскому художнику и критику Александру Бенуа. Весной 1910 года в рецензии на выставку Союза русских художников он разделил всех участвовавших в ней живописцев на авангард, центр и арьергард. Авангардом он иронически назвал нескольких молодых москвичей во главе с М. Ларионовым, которые, по его мнению, слишком далеко зашли вперёд по пути разрушения принятых норм в искусстве.

В Альбертине авангардная живопись представлена именами нескольких русских художников (Шагал, Лентулов, Гончарова, Кандинский и др.), но с этой выставки я «унёс» только две картины Шагала.

Марк Шага́л (фр. Marc Chagall, 1887–1985) — русский и французский художник еврейского происхождения. Помимо графики и живописи занимался также сценографией, писал стихи. Один из самых известных представителей художественного авангарда XX века. Родился в Витебске в 1887 году. Обучаясь в школе, он также брал уроки пения и скрипки, занимался рисованием. Позднее основал художественную академию и пригласил туда в качестве преподавателей известных художников-авангардистов, в т. ч. Казимира Малевича. В 1922 году уехал в Париж.

Во Франции Шагал остался верен живописным мотивам своего детства: человек, поднимающийся на крышу с мешком на спине, коза, петушок, белый арлекин, дома Витебска — все эти элементы были извлечены из его зрительной памяти. Воспоминания, мечта и ностальгия смешиваются вместе, чтобы сформировать поэтическое целое. В своих картинах Шагал во многом предвосхитил сюрреализм.

В поздних работах Шагала одной из центральных тем стала дань уважения Франции, его приёмной стране. Снова и снова он изображал места своего проживания. До войны это в основном Париж, с 1949 года — Лазурный берег, сначала Сен-Джан, затем Ванс, а с 1966 года до конца жизни — Сен-Поль-де-Ванс, средневековый профиль которого узнаваем в следующей картине. Здесь интенсивные оттенки синего, которые часто встречаются в работах позднего периода Шагала, не только выражают эффект южного вечернего неба, но и создают ощущение, что спящая уносится в душевно-духовный мир снов.

Надо сказать, Сен-Поль-де-Ванс — городок необыкновенный, в своё время он был Меккой французских художников, поэтому неудивительно, что такой художник, как Марк Шагал, нашёл там своё упокоение https://www.tourister.ru/responses/id_24566 .

Новая объективность

Наряду с живописным экспрессионизмом Оскара Кокошки, в 1920-е годы в Австрии утвердилось противоположное движение: Новая объективность. Его название происходит от одноименной выставки постэкспрессионистского искусства в Мангейме в 1925 году. (Немецкий термин Sachlichkeit в разных публикациях переводится в значениях или Объективность, или Вещественность. В данном случае я использую англоязычную версию термина — Subjectivity, т. е. Объективность). Последователи движения стремились к тому, чтобы представить реальность объективным образом. Формально они восходили к эпохе Возрождения и таким мастерам, как Альбрехт Дюрер. Они не только заново открыли замысловатую технику остекления, которая должна была скрывать индивидуальный мазок кисти, но и стремились подражать иконографическим образцам старой немецкой живописи. Наибольшее разнообразие решений, выдвинутых движением «Новая объективность», было в Австрии.

Один из видных представителей движения «Новая объективность» в Австрии — Franz Sedlacek (1891–1945). Работы Франца Седлачека относятся к числу самых ярких событий австрийской гротескной фантастической живописи между войнами. Изучавший химию Седлачек, подражая манере старых мастеров, делал поверхность картин гладкими, как стекло. Его зимние пейзажи свидетельствуют о знакомстве с работами фламандских и голландских художников, таких как Иоахим Патинье или Питер Брейгель Старший.

Излюбленными сюжетами Виктора Планка (1904–1941) были портреты, фигурные композиции, пейзажи и обнажённые натуры. На его автопортрете мы видим молодого человека, задумавшегося над печалями этого несправедливого мира.

Движение «Новая объективность» возвратилось также к природе, жанру и упорядоченности. Художник Герберт Рейл-Ханиш (1898–1937) занимался переводом человеческих эмоций в так называемые Пейзажи души. Зритель представленной картины смотрит сверху вниз на, казалось бы, средневековый город. Но это не существующий реально город, а идеализированная картина, похожая на игрушечный пейзаж.

Карл Хофер (1878–1955) — немецкий художник

Сюрреализм

Манифест сюрреализма Андре Бретона появился в 1924 году. Искусство направлено не на обеспечение правдивой картины видимого мира, а на создание гипер-реальности, на показ скрытой реальности. Шанс и автоматизм, спонтанные методы живописи и письма становятся основой сюрреалистического метода, который стремится раскрыть мир бессознательного, без контроля разума, вне рамок эстетики и моральных соображений. Сюрреализм устраняет разделительные линии между мечтой и реальностью, субъективным и объективным.

Рене́ Магри́тт (1898–1967) — бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин. Наряду с Максом Эрнстом и Джоан Миро Рене Магритт входит в число ведущих представителей сюрреализма.

Представленная на выставке большая картина первоначально служила предварительной проработкой для огромной настенной живописи, которая должна была украсить большой зеркальный зал казино в Кнокке на бельгийском побережье Ла-Манша. Сюрреалистическая панорама, состоящая из восьми частей и озаглавленная Магриттом «Зачарованная территория», цитирует темы и мотивы, которые занимали его с конца войны.

Поль Дельво (Paul Delvaux, 1897–1994) — бельгийский художник, видный представитель сюрреализма.

Мистические мечты Поля Дельво вдохновлены «метафизической живописью» Джорджо де Кирико. Дельво, как и Магритт, принимая участие в выставках сюрреалистов, тем не менее дистанцировался от движения. Представленную на выставке картину можно понять как меланхоличный взгляд в прошлое. Женщина в черном на переднем плане наблюдает за похоронным кортежем, движущимся в глубине картины. По дорожке, освещённой газовыми фонарями, двое мужчин несут покрытое саваном тело к холмам на горизонте, где поднимаются несколько древних руин. Очевидно, что это царство мертвых, не связанное больше с реальным миром.

Фантастический реализм

Эрнст Фукс (1930–2015) вместе с ещё четырьмя молодыми художниками (Арик Брауэр, Вольфганг Хуттер, Антон Лемден и Рудольф Хауснер) в 1948 году основывает «Венскую школу фантастического реализма» в живописи. Эта группа фактически создала новый стиль в живописи. Фантастический реализм носил выраженный мистико-религиозный характер, обращался к вневременным и вечным темам, исследовал потаённые уголки человеческой души. при этом ориентировался на традиции немецкого Возрождения. Период бурного развития фантастического реализма пришёлся на начало 1960-х годов.

Рудольф Хауснер (1914–1995) — австрийский художник, гравер и скульптор, представитель фантастического реализма.

Любопытно, что в разделе «Современное искусство» постоянной экспозиции Альбертины экспонируется картина дочери Рудольфа Хауснера — Ксении Хауснер («Ночь скорпионов», 1995). Я испытал такое мощное её воздействие, что до сих пор при воспоминании об Альбертине прежде всего интуитивно всплывает в зрительной памяти именно это полотно. Да, не всегда природа отдыхает на детях…

Финишный отрезок моих «картинок с выставки» полностью посвящён одному художнику — Пабло Пикассо, который за свою долгую творческую жизнь имел отношения со многими течениями искусства XX века и в то же время не может быть отождествлён ни с одним из них, даже с кубизмом, им основанным.

Па́бло Пика́ссо (1881–1973) — испанский и французский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер.

Основоположник (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грисом) кубизма, в котором трёхмерное тело в оригинальной манере изображалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Началом истории кубизма считается картина «Авиньонские девицы», написанная в 1907 году Пикассо, вдохновлённым африканской культурой и творчеством Поля Сезанна. Термин «кубизм» появился в 1908 году, после того как Анри Матисс, увидев картину Ж. Брака «Дома в Эстаке», воскликнул: «Что за кубики!».

Пикассо много работал как график, скульптор, керамист и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведённого газетой The Times в 2009 году, Пикассо — лучший художник среди живших за последние 100 лет. Увы, не могу присоединиться к этой армии почитателей. Не могу сказать ничего дурного, просто — не моё.

Впрочем, каждый может составить своё мнение на примере тех немногочисленных фоторепродукций, которые я здесь представляю. Комментарии к представленным картинам — из официальных выставочных аннотаций, в моём сокращённом пересказе.

Во время Второй мировой войны Пикассо неоднократно предлагали эмигрировать в Соединённые Штаты, однако он остался в оккупированном немцами Париже до его освобождения в 1944 году. Он сказал о своей мотивации: «Я не ищу опасности, но не хочу уступать место насилию. Вот я здесь, и здесь я останусь». В «Натюрморте с гитарой» 1942 года Пикассо без пафоса размышлял о критической ситуации и ужасе через такие простые предметы, как сабля с кроваво-красной ручкой и тёмное, призрачное отражение в зеркале. Постоянная опасность тех дней столь же ощутима в этом натюрморте, как и искусство маленьких повседневных удовольствий, на которые Пикассо намекает в виде оливок, бокала вина, сигары и гитары.

В 1940-х годах, после большого перерыва, Пикассо вернулся к своей кубистской фазе: в его искусстве вновь доминируют деформации и множественный взгляд на изображаемый предмет, фигуру, лицо. Несоразмерные физиономии могут быть истолкованы не только психологически как отражение ужасов войны или личных кризисов, но и как восприятие совокупной реальности, которая не поддаётся никакой прямой имитации природы: «Положим, я нарисовал этот кривой нос, так что вы вынуждены видеть нос. Позже вы поймёте, что это не криво. Вы должны просто перестать воспринимать только приятные гармонии и изысканные цвета». Такие портреты, как настоящий пример, встречают отторжение и недоумение: «Если бы все женщины напоминали портреты Пикассо, земля обезлюдела бы к концу века. Мужчины бы разбежались при виде этих трупно-зеленоватых, аморфных, нечеловеческих существ».

Сорри, это не я сочинил, так написано в официальной выставочной аннотации к этой картине.

На следующей картине изображена вилла La Galloise в Валлаурисе на юге Франции, в которую Пикассо переехал в 1948 году со своей подругой Франсуазой Жило. В 1949 году там родилась их дочь Палома. На первый взгляд картина кажется идиллической, однако перегруженная композиция и угловатая, энергично агрессивная линейная ткань отражают невыносимую напряжённость между Пикассо и Франсуазой Жило, которая в конечном итоге привела к их расставанию в 1953 году. Уменьшение пространственной глубины, переплетённая архитектура и окружённый стеной сад свидетельствуют о стеснённости и угнетении, в то время как море и парусная лодка выражают желание перемен и нового старта в жизни художника.

В 1953—1954 гг. Пикассо написал серию портретов Сильверетт Давид, которая переехала к своей матери в Валлаурис со своим женихом, английским скульптором. Красивая молодая женщина с волосами, убранными в примечательный хвостик, очаровала Пикассо главным образом потому, что она напоминала киноактрису Брижит Бардо. Большинство портретов серии «Сильветта» Пикассо исполнил в монохромной технике с использованием исключительно оттенков серого, в которой ранее была выполнена его знаменитая антивоенная картина «Герника».

После того, как Пикассо в 1961 году переехал в Мугинс вместе со своей последней спутницей Жаклин Рок, он все больше и больше уходил в себя. Его выразительные поздние работы говорят о его борьбе со старостью, его страхах и эротических фантазиях. Живопись как средство против смерти стала его одержимостью.

В этот поздний период Пикассо часто писал идиллические сцены. В них можно встретить тему флейтиста, ухаживающего за женщиной — тему, которая была очень популярна в венецианской живописи эпохи Возрождения, например, в искусстве Джорджоне и Тициана. Сельская нота картины может быть связана со Средиземноморьем, пасторальным романом и Дафнисом и Хлоей, но также содержит эротическую аллюзию, которая выражается мотивом голубя как символа сексуальной похоти.

В заключение — сугубо личное мнение.

С творчеством Пабло Пикассо я познакомился в далёком уже… XX веке, когда во время вступительной сессии в один из ленинградских институтов впервые посетил Эрмитаж. Шёл просто в музей, а попал на выставку Пикассо — одну из первых в СССР. Впечатления? За столько лет оттенки стёрлись, но самое сильное осталось. Шок. Непонимание. Неприятие. Может быть, единственное полотно, вызвавшее внутренний позитивный отклик — «Девочка на шаре». Это — ранний Пикассо, ещё до кубизма. И сейчас, много лет спустя, в моём восприятии это истинный шедевр. Ещё в серии «Тавромахия» много интересных острых рисунков, есть они и в Альбертине. Остальное… дело вкуса. Возможно, мне его недостаёт.

И ещё один шок испытал я в тот же раз, когда после Пикассо пошёл знакомиться с основной экспозицией Эрмитажа. Шок от импрессионистов. Мы тогда не умели различать, да и не знали, что следом за импрессионистами были ещё нео- и постимпрессионисты, а экспрессионисты — так те совсем даже наоборот…, но в экспозиции они как-то так дружно скучковались, что казались чем-то единым целым. Вот здесь культурный шок был со знаком плюс, потому что всё дремучее естество провинциального паренька потянулось к этим полутонам, размытым силуэтам, к этим неуловимым мимолётностям. Так это было непривычно на фоне русской живописной классики, но и не отрицало её, а как-то расширяло и дополняло.

С тех пор зал импрессионистов стал любимым в Эрмитаже, и каждый раз, когда удаётся туда проникнуть (о, где наши студенческие годы, когда не было этих орд туристов!), первым делом бегу туда. А вот на Пикассо, если бы он был там даже в самом лучшем зале — нет, не побежал бы.

Вот и закончилось наше путешествие из XIX в. XX век, по волнам и течениям трудных поисков служителями искусства своей идентичности в бурном море истории, ломавшем тогда эпохи, традиции и людей. Спасибо всем, у кого хватило терпения на разбирательство многочисленных «измов» (а сколько их ещё осталось даже без упоминания…).

P. S. В первой части очерка, посвящённого выставкам в Альбертине, я сетовал на то, что не заснял прекрасные интерьеры музея. Потом выяснилось, что этот пробел ещё раньше был восполнен в публикации Светланы Басмановой, которую я с удовольствием рекомендую https://www.tourister.ru/world/europe/austria/city/wien/artgallery/2600/responses?id=4418

До новых встреч!